En estas confesiones de un poeta borracho doy rienda suelta a mis perversiones más profundas como la poesía, bien creativa, bien íntima; la escritura de relatos cortos, la poesía en la música, reseñas de cine, la literatura, el arte o la pintura.
A mi querida amiga Lorena, pues sin ella este cuento no hubiera sido posible.
Había una vez un niño que creía en las hadas y en los cuentos, porque la magia en los libros siempre existía.
Un buen día, al niño se le cayó su primer diente, lo cogió con mimo, y lo depositó con delicadeza bajo su almohada. Colocó un trocito de queso sobre la mesilla de noche para que el Ratoncito Pérez se lo comiera cuando viniera a llevarse su diente a cambio de unas monedas; esa noche soñó con tener un hámster para cuidarlo, alimentarlo, y jugar con él.
Cuando despertó a la mañana siguiente
Hoy vengo con Canino, del griego Yorgos Lanthimos, una película a la que le tenía muchas ganas, pues siempre es una de las más citadas dentro del conjunto de películas raras.
Toda la obra resulta bastante desconcertante, aun después de entender todo; sin embargo mantiene una atmósfera extrañamente fría, inexpresiva, con una banda sonora ausente, abunda el blanco y los colores pastel, contrastando con el rojo de la sangre. Esto recuerda a la locura del pabellón psiquiátrico, al tedio de los días; ambas obras no guardan excesiva relación, más allá de atmósferas opresoras y del control mental que se pretende ejercer por distintos medios, sin embargo, el cuco siempre revolotea. Canino comienza con tres hermanos, una clase de idiomas grabada en casete, y con sexo,
El espantapájaros se ha convertido en un símbolo social, se ha usado para hablar de la soledad, Lyman Frank Baum, autor original del cuento El Mago de Oz, lo utilizó para buscarle un corazón, y después Victor Fleming lo inmortalizó en imágenes; otros lo han utilizado como un elemento terrórífico, en cualquier caso, todas las adaptaciones giran un poco sobre lo mismo.
Nos valdremos del tema de 091 para enfocar el tema de la soledad.
Veamos primero el vídeo, y mientras escuchamos podemos leer la letra.
Rabbits no es una película, ni tampoco es un medio metraje, sus cuarenta y cinco minutos son, en verdad, un experimento, un experimento que consiste en coger los elementos que componen un discurso dramático y mezclarlos aleatoriamente, bueno, no tan aleatoriamente, pues tienen una finalidad.
En la Grecia clásica, Aristóteles, en su Poética, nos habló de que el arte tenía que ser verosímil, y que era preferible lo imposible verosímil a lo posible pero inverosímil. Este axioma, fundamental en la teoría aristotélica del arte, tiene como objetivo, aparte del decoro lingüístico, la coherencia, la lógica, la adecuada estructuración para que nuestro cerebro sea capaz de asimilar los estímulos sin que se produzcan asonancias: elementos que están fuera de lugar y que producen ruido, es decir, entorpecen el objetivo final de la obra: su comprensión.
Pues bien, entrando en detalle de la obra, no aparecerán "arruinadores de argumento" sencillamente porque Rabbits carece de argumento; nos hallamos en el periodo entre Mullholand Drive e Inland Empire, parte de las escenas aparecerán después en esta última, por lo que si la habéis visto, ya sabréis que la película es un festival onanístico del ego de Lynch; de Mullholand Drive aún se podría derivar un análisis global de cierta coherencia, pero en Rabbits eso ya desaparece, podemos pensar en una metáfora sobre lo que sienten las cobayas mientras están en una jaula esperando que les llegue el turno de ser partícipes en el experimento. Esta teoría es interesante, pues nos encontraríamos con los dos planos experimentales:
Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí Augusto Monterroso
Siempre recordaré las palabras que un día mi abuela me dijo cuando yo apenas era un niño: «nunca te fíes de los hombres que visten de traje, menos aún si son jóvenes, no les abras si un día llaman a tu puerta, tratarán de venderte pastillas para el dolor, insecticidas para los sueños, te hablarán con palabras elocuentes y te dirán que los dinosaurios no existen, que ya no están».
Sí, recuerdo muy bien aquellas palabras,
Jon Juaristi, Bilbao 1951, es un poeta vasco que si bien es muy conocido y reconocido entre los grandes aficionados a la poesía, quizá no sea el poeta más popular de todos dentro de los aficionados normalitos como servidor.
El estilo de Jon Juaristi lo podemos enmarcar dentro de esa etiqueta tan absurda como es la de la poesía de la experiencia, en la que destaca la figura de Luis García Montero, de quién ya hablamos hace poco y que puedes revisar en este enlace: Decdicatoria, canciones de L. G. Montero. Y es por esta etiqueta que hago mención a la popularidad, sin ánimos de comparar a Juaristi con Montero, grandes amigos pero estilos diferentes, aunque ambos hablen de sus experiencias y a ambos se les meta bajo un mismo paraguas.
Se acerca el verano, muchos tenéis ya las tablas de surf preparadas, pero debéis llevar cuidado porque podéis encontraros con algún psicópata asesino.
Hacía tiempo que quería hablar sobre esta joyita del cine alternativo. Una comedia realmente divertida que descubrí rastreando los estantes de una tienda de segunda mano, y claro, para el precio que tenía había poco que perder si me la compraba.
¿Qué tienen en común el surf, los psicópatas, Nietzsche y Freud?
Hace ya bastante tiempo que Nacho Vegas no sale por el blog, su tercera entrega estaba pendiete de edición, pero ya sabéis que el blog consume bastante tiempo y no siempre puedo dedicárselo. Así que para ponernos en situación os dejo los enlaces a la parte primera Nacho Vegas, el hombre que vino del norte y Nacho Vegas, el hombre que casi conoció a Michi Panero, primera y segunda entrada respectivamente.
Nacho es un letrista muy personal, conocido por la calidad de sus textos, muy metafóricos y alegóricos; precisamente por eso aparece en esta sección de música y poesía. Trata temas tan universales como el amor, relaciones de pareja un tanto turbulentas; sus problemas con las drogas; la soledad, la fama, los fracasos, los errores, etc.,suele cantar en primera persona y suscanciones paarecen funcionar como introspecciones que sirven como expiación, como medio para admitir las culpas, para pedir perdón aun sin saberse merecedor del mismo.
Nada mejor que un título llamativo para empezar una entrada, y es que quién puede resistirse a semejante encabezado, y menos si sabe que se trata de un duelo poético en una húmeda madrugada de neón, bajo el techo caleidoscópico de un decadente lupanar en la corte de Felipe IV, donde las meretrices, cortesanas, y Magdalenas varias, acompañan la soledad del vino y el whisky "on the rocks" que bohemios arruinados consumen soñando con ser estrellas del rock mientras liban la grieta oscura y cálida donde habita el olvido.
Luis Eduardo Aute está considerado como uno de los grandes cantautores de esta España nuestra, artista polifacético, pintor, escritor, músico, y un excelente letrista sobre el que siempre he pensado que debería tener un espacio en mis confesiones, aunque lo había ido pospuesto porque me apetecía hablar antes de otros cantantes que me gustan más y que son más cercanos a estilos que suelo escuchar más asiduamente. Siempre lo he asociado un poco a Sabina, quizás porque los dos son asíduos a cantarle a la mujer y al sexo, a santificarlo, convertirlo en una "experiencia religiosa" (y perdón por un juego de palabras tan melévolo);
Volvemos con Robe Iniesta y su poesía transgresiva, aunque poco a poco se va a ir suavizando.
Recordemos sus dos motivos principales: drogas y amor; estos dos elementos son los que rigen toda su discografía. Y comenzamos, muy a mi pesar, con el tema "Salir" uno de sus más conocidos y de los que menos me gusta, para mí está sobrevaloradísimo.
Dila.—Demuéstrame que las jirafas se montan en ascensores.
Emanu.—Nada más sencillo: las jirafas se montan en los ascensores porque se montan en los ascensores.
Dila.—(Entusiasmada). ¡Qué bien lo has demostrado!
Cementerio de automóviles es una obra de teatro escrita por el dramaturgo español Fernando Arrabal, uno de los grandes genios españoles que a veces se ha visto superado por su propio personaje y por sus excentricidades, quedando su obra en un segundo plano. Arrabal fue, junto a Alfonso Sastre, o Buero Vallejo, uno de los grandes renovadores del teatro español en los años cincuenta.
Si estás dispuesto a afrontar la escena, no es de William Blake. "Sangre hirviendo", Héroes del Silencio.
En las anteriores entradas de esta serie sobre el satanismo en el rock habíamos visto como el satanismo venía derivado por un fanatismo religioso que puede desembocar en el deseo provocador de muchos artistas que se rebelan contra él; el diablo entonces se convierte en el catalizador ideal para consumar las provocaciones;
Segunda entrada dedicada al satanismo en la música rock, una visión de lo absurdo que puede llegar a ser el mundo. En la anterior entrada El satanismo en el rock parte 1 estuvimos viendo los problemas que han tenido que afrontar muchas bandas acusadas de satanistas. Si recapitulamos, tenemos que los elementos principales de la acusación venías a ser mensajes ocultos grabados al reves, interpretaciones surrealistas de las letras, o el hecho circustancial de que algún joven se suicidara escuchando la música de algún grupo de rock, o simplemente siendo aficionado a dicho grupo.
En esta entrada vamos a realizar un recorrido por la historia del satanismo en la música, desde los orígenes del rock allá en los años cincuenta hasta nuestros días. Iremos revisando las anécdotas más conocidas y otras que quizás no lo sean tanto. Todo ello acompañado siempre de vídeos y fotografías representativas de la historia.
El rock siempre ha sido considerado como un movimiento subversivo, de ahí que siempre haya estado ligado a etiquetas como la de música creada por el demonio, o música instigadora del pecado.
¿Os atreveríais a pasar una noche en un museo egipcio rodeado por sarcófagos y momias?
Este cuento que hoy presento, ha sido escrito por una amiga, Nuria Elisabeth Sánchez Sánchez, y me he ofrecido a publicarlo para darle algo más de difusión, pese a que ya se ha publicado en un libro recopilatorio de cuentos.
Espero que os guste y lo disfrutéis, seguro que a ella le hara ilusión conocer vuestras opiniones. Ahora, tan solo tenéis que abrir la puerta del museo.
Ya he hablado alguna vez sobre mi devoción al cine francés, aunque disto mucho de ser un entendido, pero se nota que hay una industria que funciona, y eso da gusto, uno tiene la sensación de que Francia es el país que mejor cine realiza en estos momentos.
Hoy quería hablar sobre La familia Bélier, una comedia que arrasó la taquilla francesa y que tuvo a la crítica embelesada durante el año pasado y parte del anterior, la realidad, como suele ser habitual, es más mundana.
La poesía transgresiva es un juego de palabras tomando como base las nomenclaturas de rock transgresivo y poesía. Como sabe cualquier seguidor de la banda, el concepto de rock transgresivo es una etiqueta que se inventó Robe Iniesta para definir su música y, a su vez, titular uno de sus discos, el segundo, creo que fue.
Escribir sobre Arrebato es un reto que da un poco de congoja, pues sobre esta obra se han escrito, no ríos, sino océanos de tinta, y uno tiene que saber lidiar con todo lo escrito para tratar de aportar algo diferente, o en su defecto, que no sea una burda copia de lo ya existente. Arrebato, como ya sabrás si estás leyendo esto, es una obra de Iván Zulueta, pero no es una simple película, ni siquiera es una simple película de culto, que lo es, Arrebato es una fotografía real, sin ambages, de la incipiente España democrática que apenas sabía nada del mundo, y cual niño pequeño de apenas cuatro años, las ansias de investigar y de descubrir son muy poderosas;
Jorge Teillier es un poeta chileno, de origen mapuche, nacido en Lautaro en el año 1935.Su poesía se arraíga en la tradición de la tierra, del origen, evocando ingenuos recuerdos de la infancia, de la nostalgia del paraíso perdido que termina evaporándose hasta que finalemnte se transforma en poco más que una ensoñación.
Noche de San Valentín, cena con velas para dos sobre una mesa de madera vestida por un largo mantel malva que roza el suelo escondiendo el fuste central de la mesa y los cuatro pies de madera ya gastada por las pisadas sobre los que se sustenta. Una cálida luz tenue ilumina el orondo cuerpo cristalino y sin talles de dos copas, separadas por un centro de lirios abrazados por siete rosas, bañadas por el tanino de un gran reserva de sabor astringente y color violáceo, pero muy mediterráneo; una elección especial escogida con el mimo y el entusiasmo de quien sabe celebrar los grandes momentos, y esta noche iba a ser uno de ellos, por lo que bien merecía una pequeña concesión veleidosa.
La Novia es una libre adaptación de la obra teatral de Lorca Bodas de Sangre que sigue desprendiendo esos aromas de sierra granadina, de caballos, de lunas y navajas, de tradiciones arraigadas por el peso de los años, de conflictos entre familias que se heredan con el paso de las generaciones, elementos muy lorquianos y muy identificables en su literatura llena de contrastes.
La entrada anterior hablamos del poema oculto de Black Sabbath titulado, Aún cae la lluvia, y el título nos lleva a acordarnos de Edith Sitwell y su famoso poema titulado de igual manera que el de los Sabbath Still falls the rain, por eso he pensado que estaría bien aprovechar y presentar este bonito y emotivo poema creado a raíz de los bombardeos alemanes al inicio de la II guerra mundial, lo que se conoce históricamente bajo el nombre de "Blitzkrieg".
Lo voy a poner en español, pero también en inglés, pues as traducciones siempre son traidoras.
Todavía cae la lluvia
los velos de la oscuridad envuelven
los ennegrecidos árboles
que, retorcidos por una oculta violencia
se despojan de sus cansadas hojas y doblan sus ramas
hacia la tierra gris de recias alas de pájaro.
De pie, frente al espejo, se miraba mientras se abrochaba su camisa blanca, era una mirada profunda capaz de traspasar al propio cristal y rebotar contra la pared; una mirada de concentración, pues hoy iba a dar su último concierto. Cuando hubo terminado de abrocharse los puños de la camisa cogió la corbata morada que había dejado sobre el mueble del espejo y se la ató al cuello de forma pausada en un nudo doble Windsor. Todos sus movimientos eran ejecutados con una lánguida lentitud, como un ritual que debía celebrarse de manera precisa, saborear cada instante, cada segundo, hoy iba a ser un día señalado y quería afrontarlo con garantías, siempre desde la elegancia, pues el saxo siempre suena mejor cuando estás bien vestido.
La poesía de Idea Vilariño (Montevideo 1930)) es despejada, pesimista, y escéptica como expresión intensa del malestar contemporaneo. Como pocos poetas, ha sabido conjurar comunicación y calidad y el secreto de esta adhesión está en su poder de convicción, en la dolorosa sinceridad de su voz, en la belleza que surge de este mundo hecho de navegaciones y renuncias. Rosario Peyroux
Fragmento de un diálogo perteneciente a la película El vídeo de Benny
La trilogía sobre la glaciación emocional fue rodada por Haneke en la primera mitad de los noventa, y nos introduce de una manera aterradora en las entrañas de las sociedades burguesas austriacas, sodomiza nuestra moral, nos invita y nos obliga, a introducirnos en las casas ajenas para observar, desde la pulcra distancia, vidas aisladas de sí mismas que parecen terribles y frías, pero que a lo mejor no estamos tan lejos de ellas.
Nos reencontramos con Nachín, apelativo cariñoso que al parecer le aplican en Gijón a Nacho Vegas sus más allegados.
El subtítulo de esta entrada es referente a la que seguramente sea su canción más exitosa, "El hombre que casi conoció a Michi Panero", aunque para mí no es de las mejores, pero su estribillo canta su mítico:
unos me llaman chaval, otros me dicen caballero, algunos no se han querido pronunciar
A nadie
dedico mi única canción,
mi voz se quiebra ante la destrucción
de mi tierra hermosa
víctima de mi error.
A nadie,
un cielo de cenizas ante mí,
el mundo ha dejado de latir,
no hay sueños, ni ucronías, ni ambiciones,
ni ilusiones, ni vivir.
Ya no quedan libélulas,
ni tampoco cascabeles,
ni briznas de tomillo,
ni aromas de mujeres,
ni flores de cerezo,
ni dolores de rosas,
ni caricias de perro,
ni diamantes en el mar.
No hay nadie,
la magia de mis manos se acabó,
¿dónde están los ángeles?,
¿dónde los cigarrillos,
el crimen y la bondad?
Estoy solo
y reniego ahora mismo de ser Dios,
en el hielo infinito del amor
me arrepiento de haber nacido
y de no poder morir.
La luna
leucocito de mi sangre,
bombilla de los suicidas,
es ahora una lágrima,
una tiniebla en mi piel.
No hay nadie,
ni almas, ni cuerpos, ni razón,
solos otra vez la muerte y yo
en esta soledad eterna,
sin interruptor de Dios.
No hay nada,
nadie va a rezarme más,
llorando mi última canción
quisiera que alguien me cuidara
y me diera calor.
Bueno, esta vez se trata de A nadie, de Javier Corcobado, nuestro poeta maldito, el trovador de las angustias humanas, el crooner atormentado, como leí en una entrevista. Pero todo esto no son más que calificativos que se inventa la gente cuando está aburrida.
Lo que he querido esta vez es presentar la letra desnuda, sin presentación, sin introducción al artista, sin nada, quería mostrar la letra del mismo modo que uno se encuentra un poema, pues sus letras en gran medida son poesías, pero nos permiten seguir viendo las pequeñas diferencias de género.
En general la canción está formada por versos libres, y aunque al principio empieza con una estructura en rima en las dos primeras estrofas, luego llega el cambio de ritmo en la canción y abandona esta estructura para no retomarla ya en el resto de la canción. En principio esto es algo que en poesía pura no debes hacer, lo de mezclar rima y no rima, pero claro, esto es una canción, y también es cierto que toda la letra desprende una desesperación importante, parece difícil pensar en otras palabras, pues la canción es Dios hablando en primera persona, arrepintiéndose de su creación, harto de sí mismo y de su eternidad:
Estoy solo
y reniego ahora mismo de ser Dios,
en el hielo infinito del amor
me arrepiento de haber nacido
y de no poder morir.
La canción comienza manifestando que la creación de la humanidad ha sido un error, error que está destruyendo una tierra hermosa. Sigue lamentándose, con un tono más elevado de la falta de ilusión en los seres humanos:
no hay sueños, ni ucronías, ni ambiciones,
ni ilusiones, ni vivir.
A continuación pasa a enumerar cosas positivas que ya no existen como las briznas de tomillo o las caricias de perro. Esta parte la canta con un tono más amable, de nostalgia, para ya después entablar el final repleto de rabia y odio.
En general es una letra sencilla de comprender, sin complejas metáforas, ni sofisticados recursos literarios, tan sólo un excelente uso del lenguaje. Quizás la parte más destacada al respecto de las metáforas sería la siguiente estrofa:
La luna
leucocito de mi sangre,
bombilla de los suicidas,
es ahora una lágrima,
una tiniebla en mi piel.
Por lo demás, la grandeza del poema está en el mero hecho de utilizar a Dios hablando en primera persona para que exprese sus sentimientos más profundos. Y ése es el principal recurso con el que juega la canción, la personificación, otorgar a una entelequia capacidades humanas, mostrar su lado más oscuro y dejar abierta una pequeña puerta a la esperanza con sus dos últimos versos:
quisiera que alguien me cuidara
y me diera calor
No hay nada, la espiritualidad ha desaparecido, entendiendo espiritualidad como humanidad, el hombre se autodestruye y vive aislado de sí mismo, pero Dios sigue deseando algo del afecto que el hombre carece. Al menos es mi forma de entender la canción.
Javier Corcobado, es músico, cantante y poeta, no sé si a partes iguales, pero si que ha publicado varios libros de poemas y es bastante activo en este terreno, también ha participado en proyectos que combinan poesía con acompañamientos musicales o ilustraciones, y por supuesto ha grabado discos, llevando cerca de treinta años dando guerra.
Y tiene muchas letras interesantes, y seguramente le dedique otra entrada con sus poemas, pero será otra entrada y no una segunda parte, pero el motivo de elegir esta canción ha sido porque fue la primera que escuché de él, y fue un “quién es este tío y porque no lo había escuchado antes”, me encantó la canción, el disco, y todo él, de hecho este disco, A nadie, fue un pequeño paso hacia una mayor popularidad en su carrera.
Les dejo el videoclip oficial de esta canción para que la escuchen, merece la pena escuchar como se desgarra.
La historia de Matsuko, es una historia triste, una de las historias más tristes que se puede uno encontrar, donde los momentos de alegría son siempre masacrados por alguna desgracia. Y aquí es donde entra la originalidad de esta cinta, pues convierte una historia devastadora y lacrimógena en una especie de comedia divertida donde tu mismo te sorprendes por tener una sonrisa en el rostro observando la trágica vida de la protagonista.
La película es una retrospectiva, en la que el sobrino, un joven adicto al porno y al alcohol con una vida bastante disoluta, es mandado a limpiar el apartamento de su tía Matsuko asesinada a los 53 años, y al ver que estaba incluso peor que el suyo, decide investigar que ha sido de su vida y por qué nunca ha sabido nada de ella. Este es el factor que representa el eje central de la película, la excusa puesta por el guionista para adentrarse en la vida de la protagonista, que es lo que importa, el motivo por el cual el sobrino se interesa, no creo que sea muy relevante.
Reptiles de cuero se hacinan en las alcantarillas,
la lluvia moja el humo de la ciudad sin sol,
enferma de hombres que la gangrenan;
parásitos que corren veloces a ninguna parte,
bañados por sueños químicos de una realidad deforme.
No me hables de Dios, ni de gurús, ni de profetas,
muéstrame la luz del caos que nos amamanta,
enséñame sus flácidos pechos grises y escuálidos.
Un poema puede ser cantado y una canción, poesía.
J. M. Serrat
Ni son ni tienen por qué ser poemas. Un poema puede funcionar bien como letra de canción, y una letra de canción puede tener altos valores poéticos; pero no son lo mismo.
Opinión vertida en un foro cultural de América latina por un participante del mismo.
En estas últimas entradas hemos visto artistas de rock cuyas letras tenían alto contenido poético, canciones con grandes letras llenas de figuras y recursos, pero hoy vamos a mostrar la otra cara, la adaptación musical de poemas consagrados y conocidos.
Vamos con la segunda parte que dedicamos al grupo de Ourense llamado Los Suaves, leyendas vivas del rock patrio que están de gira de despedida, son ya muchos años de carretera y no precísamente viajando en jets privados y hoteles de cinco estrellas.
La historia de este grupo de rock se puede sintetizar en estos cuatro versos.
Las vueltas que da la vida
el destino se burla de ti
¿dónde vas bala perdida?
¿dónde vas triste de ti?
Esta película, basada en una novela gráfica Le bleu est une couleur chaude (el azul es un color cálido), fue, junto a La Gran belleza, sobre la que ya hemos hablado en el blog y la tenéis enlazada en el nombre, la gran triunfadora del 2013, se repartieron todos los premios habidos y por haber, si bien La Gran belleza se llevó el Oscar, La vida de Adèle, se llevó la Palma de Oro. El director fue Abdellatif Kechiche, quien previamente había realizado la interesante El secreto de un cous-cous, y ha sido una cinta ampliamente alabada por su realismo y sensibilidad, pero también criticada por abusar del morbo, a continuación, entraremos en los detalles de estas controversias.
Ven mi Lady, ven al piano a sentarte junto a mí
la silla es grande y yo me echaré a un lado,
cantemos esa canción de cuando éramos niños,
¿Te acuerdas? Esa que cantaba Bessie Smith
con su voz descosida:
“After you’ve gone”.
